PRIMA NAZIONALE
Me&You: In a Dialogue è un reading collettivo nel quale il pubblico è invitato a leggere (ad alta voce) una serie di lettere indirizzate da “me” a “te”. Le lettere, scritte senza un particolare ordine cronologico, meditano sui temi come la cura, il senso di colpa, il limite, la maternità e l’identità mutevole di una donna (danzatrice) per spiegare le disuguaglianze tra religioni, culture e generi.

“In queste lettere, solo una parte della corrispondenza è stampata. Un IO che rivela e vibra la sua moltitudine, perché il TU al quale si rivolge continua a cambiare: si rivolge all’artista stessa del passato, a un bambino futuro, ad amici-artisti, una persona che sta morendo, una cortigiana di un tempo passato. Un IO, in quanto artista, madre, amica o spettatrice, che cerca di trovare e rivendicare il suo posto in un mondo che è ancora definito da troppe disuguaglianze tra culture, religioni e generi. Un IO, che proprio come in una danza, si muove tra passato, presente e futuro. Un IO come “custode temporaneo o semplicemente un link tra morti e non nati”… Se c’è una frase che tesse tutte queste lettere insieme, è l’intenzione della scrittrice “ad essere consapevole: per tutte coloro che diventeranno donne; per tutte le donne ancora a venire” ~ (Guy Cools)

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Di e con Nikita Maheshwary
Design lettere: Laurence Felber
Con il supporto di Ambasciata e Consolato Generale dei Paesi Bassi in Italia e ATCL – Associazione Teatrale fra i Comuni del Lazio

Nikita Maheshwary
Originaria di Nuova Delhi, Nikita Maheshwary è un’artista attiva nella performance con sede nei Paesi Bassi. La sua ricerca artista verte sui temi del genere, cultura e identità e attraverso le sue performance, scritti, mostre e lavori di curatela,è profondamente coinvolta nel raccontare storie di pluralità, azione femminile, forme di emarginazione e divisione di classe. Nel suo lavoro performativo, Nikita fonde movimento, silenzio, testi e media new age, invitando il pubblico a partecipare alla creazione di significato e conoscenza collettiva. Dal 2018, anche come ricercatrice presso THIRD, DAS Graduate School, Amsterdam (2019 – 2022), è impegnata nel suo progetto di ricerca artistica Naachne-wali: The Dancing Girl. Attualmente lavora come coreografa indipendente e insegna alla Fontys University of Arts, Tilburg e Codarts, Rotterdam. In associazione con DansBrabant, è attualmente coinvolta in due progetti di danza europei: Micro and Macro Dramaturgies in Dance and Performing Gender – Dancing in your shoes.

www.nikitamaheshwary.com

L’antropologa Giulia Grechi (Accademia di Belle Arti di Brera), converserà, assieme al pubblico presente, con l’artista e performer Nikita Maheshwary a partire dal suo lavoro Me&You: In a Dialogue. L’incontro sarà l’occasione per articolare un racconto delle fasi processuali del lavoro dell’artista, della sua poetica e soprattutto per amplificare, attraverso il dialogo, domande, questioni, discorsi in un’ottica di allargamento del campo di osservazione e attraverso una reciprocità di sguardi.

Giulia Grechi
Giulia Grechi è antropologa, phd in “Teoria e ricerca sociale” presso l’Università La Sapienza di Roma. È docente di Antropologia Culturale e dell’arte presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli, e di Sociologia dei processi culturali a IED – Istituto Europeo di Design, Roma. È socio fondatore del collettivo curatoriale Routes Agency. Cura of contemporary arts, (con Viviana Gravano), con cui ha curato eventi di ricerca e mostre sulle eredità culturali del colonialismo italiano, e sulle loro riletture da parte delle arti contemporanee. Ha pubblicato il volume monografico La rappresentazione incorp. Una etnografia del corpo tra stereotipi coloniali e arte contemporanea (2016). Ha curato (con Iain Chambers e Mark Nash) The Ruined Archive (2014), e (con Viviana Gravano) Presente Imperfetto. Eredità coloniali e immaginari razziali contemporanei (2016).

Nikita Maheshwary
Originaria di Nuova Delhi, Nikita Maheshwary è un’artista attiva nella performance con sede nei Paesi Bassi. La sua ricerca artista verte sui temi del genere, cultura e identità e attraverso le sue performance, scritti, mostre e lavori di curatela,è profondamente coinvolta nel raccontare storie di pluralità, azione femminile, forme di emarginazione e divisione di classe. Nel suo lavoro performativo, Nikita fonde movimento, silenzio, testi e media new age, invitando il pubblico a partecipare alla creazione di significato e conoscenza collettiva. Dal 2018, anche come ricercatrice presso THIRD, DAS Graduate School, Amsterdam (2019 – 2022), è impegnata nel suo progetto di ricerca artistica Naachne-wali: The Dancing Girl. Attualmente lavora come coreografa indipendente e insegna alla Fontys University of Arts, Tilburg e Codarts, Rotterdam. In associazione con DansBrabant, è attualmente coinvolta in due progetti di danza europei: Micro and Macro Dramaturgies in Dance and Performing Gender – Dancing in your shoes.

www.nikitamaheshwary.com

PRIMA NAZIONALE
La performance, basata su una modalità di racconto narrativo, si muove tra i formati di poesia, canzone e testo. La narrazione per frammenti tende a complicare la relazione tra le nozioni di corpo e di performatività tramite la rivisitazione di eventi storici e la speculazione su crisi future. Il lavoro ripercorre una serie di atti performativi come vedere, menzionare, morire, sognare, reincarnarsi, automatizzare tentando di analizzare il modo in cui un corpo viene rappresentato nella forma e attraverso la performance stessa. La performance è parte di una ricerca più ampia e del progetto “On the negative dialectic toward the future." La ricerca esplora l'agire dell'immagine di un paesaggio come testimone, considerando la performance del paesaggio nelle sue svolte politiche, ecologiche, geologiche e geomorfiche. Il progetto si concentra sulla criticità della speculazione negativa e dello sguardo distruttivo sul futuro oltre a contestualizzare la negatività e le sue immagini sulla base di aspetti geopolitici e storici.

Di e con Mohamed Abdelkarim

Mohamed Abdelkarim
Mohamed Abdelkarim is a performer, filmmaker, and researcher. He considers performance as a research method and a practice through which he produces texts and images. He employs and reflects on performative acts like narrating, singing, detecting, doing, fictioning, and recently, speculating. His current umbrella project focuses on the agency of the landscape as a witness of "a history we missed and a future we did not attend yet". He is currently Ph.D. candidate at the Akademie der bildenden Künste in Vienna.

www.mohamedabdelkarim.com

Le classique c’est chic è una piattaforma progettuale che nasce con l’obiettivo di decolonizzare l’immaginario che riguarda la tecnica classica accademica, con la volontà di fornire a più persone possibili, strumenti di comprensione e di riappropriazione del proprio corpo.

“Fin da piccola ho studiato danza classica nel mio paese natale, fino ad arrivare alla Scuola di Ballo del Teatro dell’Opera, dove mi sono diplomata. Ho lavorato poi nel corpo di ballo del Teatro dell’Opera, nel momento stesso in cui stavo scoprendo la danza contemporanea. La grande distanza che ho sempre sentito rispetto al modus operandi tipico della formazione accademica prima e del corpo di ballo poi, mi ha portata a scegliere di dedicarmi alla danza contemporanea, fino ad arrivare al teatro di ricerca e alla performance. La tecnica classica ha comunque continuato a rappresentare per me un punto di riferimento come training, che ho integrato nel tempo con le nuove scoperte che andavo via via incarnando. Questo mi ha portato a svuotare la tecnica classica da tutto quel che ha a che fare con un'attitudine estetica fine a se stessa e a concentrarmi sulle relazioni che attiva all’interno del corpo e sulle dinamiche di spostamento del peso nello spazio. E soprattutto a ribaltare la relazione che propone rispetto al proprio corpo: da battaglia infinita per farlo aderire il più possibile ad un modello estetico, all’utilizzo di questa tecnica come strumento di comprensione del corpo e delle sue possibilità. ” (Anna Basti)

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Con il supporto di Orbita | Spellbound - Centro Di Produzione Nazionale della Danza

Anna Basti
Si forma come danzatrice e performer. Collabora con diverse compagnie in Italia e all’estero, tra cui Aterballetto, Linga, Cie Twain, Les gents d’Uterpan, Muta Imago e Gruppo Nanou. Dal 2014 affianca all’attività di interprete, un proprio percorso di ricerca, che porterà al primo studio per moto perpetuo_prima deviazione, selezionato per AnticorpiXL_Vetrina della giovane danza d’autore. Dal 2018 fa parte del team di progettazione e cura del Marosi Festival. Nel 2016 nasce il duo basti/caimmi (UNLOCK, what is a fancy word for ending). Dal 2020 basti/caimmi co-fondatrici e artiste residenti presso Ostudio_roma.

Il professore Alessandro Pontremoli (Università degli Studi di Torino) proporrà una riflessione intorno ai canoni e alle rappresentazioni del corpo veicolate nei repertori della danza a partire da alcune domande centrali nella riflessione sugli immaginari della corporeità. Se pensiamo alla danza accademica, per esempio, si può ridiscutere la sua “tradizione” e il suo “repertorio” alla luce del tempo presente? Le cosiddette “danze di carattere”, che vengono ancora trasmesse come un caposaldo del balletto ottocentesco e le cui stilizzazioni si riferiscono a codici tradizionali, popolari e nazionali, possono essere messe a fuoco e discusse, oggi, rispetto alle rappresentazioni e agli stereotipi che veicolano? E oggi? Che modelli culturali e identitari trasmette la danza? Quali sono i nessi ancora attivi tra le rappresentazioni del corpo (tanto nel balletto classico quanto nei linguaggi del contemporaneo) e l’affermazione della presunta supremazia culturale dell’Occidente? I suoi canoni possono essere ridiscussi? Come questi canoni possono essere decostruiti, depotenziati e riutilizzati in termini critici anche nei paesaggi coreografici del presente?

Alessandro Pontremoli
Alessandro Pontremoli è professore ordinario di Discipline dello Spettacolo nell’Università degli Studi di Torino, dove presiede il Corso di Laurea in DAMS ed è membro del Collegio dei Docenti del Dottorato di ricerca in Lettere (Curriculum Spettacolo e Musica). È membro del comitato scientifico delle riviste «Il Castello di Elsinore» e «Danza & Ricerca» e direttore di «Mimesis Journal». Fra le sue ultime pubblicazioni: Danza e Rinascimento (Macerata 2011, premio Pirandello per la saggistica edizione 2013-2014); La danza nelle corti di antico regime (Bari 2012); Elementi di teatro educativo, sociale e di comunità (Torino 2015); La danza 2.0. Paesaggi coreografici del nuovo millennio (Roma-Bari 2018).

PRIMA NAZIONALE
Il coreografo e danzatore Steve Paxton, uno dei fondatori del movimento della contact improvisation, ha creato una coreografia nel 1986 basata sulla famosa registrazione di Glenn Gould di J.S. Le variazioni Goldberg di Bach. Con essa ha creato una delle opere più importanti della danza postmoderna. L’opera è un'improvvisazione strutturata, dunque non può essere ricostruita esattamente. Il giovane danzatore neozelandese Aloalii Tapu è di origine samoana ed è cresciuto in uno dei quartieri travagliati di Auckland. Il suo primo incontro con la danza è stato l'hip hop al centro giovanile locale. Il progetto di Royston Maldoom "Sacre" accende il suo interesse per la danza contemporanea. Nella sua comunità, tuttavia, la danza classica e la danza contemporanea sono considerata un’arte per uomini bianchi e dunque non necessariamente appropriata a un uomo polinesiano “brown”. Nelle varie danze tradizionali della cultura samoana, il contatto tra uomini e donne non è molto comune. Tuttavia, A. Tapu ha imparato ad apprezzare il tocco attraverso l'improvvisazione della contact improvisation, usandolo per espandere il suo repertorio. Ad un festival locale, un curatore gli ha esclamato: "Danzi come un ragazzo bianco!”. Nella sua performance Tapu usa l’espressione “come un ragazzo bianco" come punto di partenza per mettere in discussione i confini tra le culture. Il suo esame dei codici della danza si muove in due direzioni: da un lato, porta con sé l’eredità di una cultura altamente dinamica del movimento nella scena della danza contemporanea e, dall'altro, si pone come possibile modello di riferimento nella sua comunità.

Ideazione e coreografia Christoph Winkler
Danza e coreografia Aloalii Tapu
Scene e costumi: Lena Mody, Valentina Primavera
Production: Laura Biagioni

Con il supporto di Orbita | Spellbound - Centro Di Produzione Nazionale della Danza

Christoph Winkler
Christoph Winkler è uno dei coreografi più illustri e versatili della Germania. Il suo lavoro copre un'ampia gamma di formati e spazia da temi molto personali a temi politici. All'interno della struttura della "Compagnia Christoph Winkler" riunisce ballerini da tutto il mondo per lavorare insieme come collettivi temporanei su un ampio spettro di contenuti. Dal 1996 ha creato più di 80 pezzi di danza come artista freelance. Nel 2014 il progetto "Das Wahre Gesicht" ha vinto il FAUST Prize della German Stage Association nella categoria "Best Choreography". Nel 2016 ha ricevuto ancora una volta il "Premio Faust" per una sua produzione. Aloalii Tapu è stato premiato come "Miglior ballerino" per l'assolo "Urban Soul Café". È stato anche l'iniziatore e curatore di "The Witch Dance Project" e del FanFic Festival. Negli ultimi anni ha prodotto con successo diverse produzioni di ispirazione musicale come "Ernest Berk - The Complete Expressionist", "Julius Eastman - Speak Boldly" o "We Are Going To Mars". Nel 2020 Christoph Winkler ha ricevuto il George Tabori Prize e nel maggio 2022 il German Dance Prize.

wwww.christoph-winkler.com

Il Can Can appare a Parigi nel’800 come sviluppo della quadriglia, una danza codificata di coppia alla quale le donne potevano partecipare solo accompagnate e dove solo l’uomo poteva concedersi momenti di improvvisazione, virtuosismo ed espressione personale durante il cosiddetto “solo del Cavaliere”. Progressivamente le donne si appropriano di questa pratica, riunendosi tra loro in contesti non formali. In questo moto di emancipazione ha un ruolo fondamentale l’uso delle gambe le quali, normalmente nascoste dalle gonne, acquistano sempre più mobilità ed articolazione. Il Can Can nel tempo diventa un ballo rivoluzionario ed erotico, e dunque bandito. Successivamente, grazie anche all'apporto di figure iconiche come La Goulue, il Can Can viene non solo tollerato ma anche richiesto sui grandi palchi, primo fra tutti il Moulin Rouge. In questo modo da rituale di rottura diventa oggetto di consumo di massa, rientrando forse in quei canoni dai quali inizialmente era stato veicolo di evasione. Il primo spunto di ricerca viene appunto dai diversi aspetti storici del Can Can che in questo caso vengono inclusi e declinati in una possibile lettura del presente. In particolare, la danza ed i suoi codici accademici vengono qui offuscati, spostando lo sguardo verso un più ampio spettro di significati. A partire dall’immaginario rivoluzionario e festante del Can Can questo lavoro tenta infatti di alterarne il paesaggio proponendo variazioni energetiche e figurative. Depotenziando il valore ludico e gioioso, l’intento è quello di offrire uno scorcio laterale sulla relazione fra intrattenimento, erotismo e virtuosismo. Affermando una danza ipo-performativa i corpi attraversano e sfidano le contraddizioni e lo spaesamento dell’essere iper-esposti ad un consumo voyeuristico. CANCAN cerca di ricostruire il tragitto di un moto di emancipazione scuro, scarico e forse fallito.

Ideazione e coreografia: Fabritia D'Intino
Performance: Cesare Benedetti, Fabritia D’Intino, Riccardo Guratti
Musica originale: Federico Scettri
Consulenza drammaturgica: Roberta Nicolai, Piersandra Di Matteo
Produzione: Chiasma
Co-produzione: Teatri di Vetro e Officine TSU - Teatro Stabile dell’UmbriaSostegno: Periferie Artistiche - Centro di Residenza Multidisciplinare Regione Lazio/Vera Stasi, CURA - Centro Umbro Residenze Artistiche/Indisciplinarte/La Mama Umbria International, Ostudio - Roma, Nao Crea/Ariella Vidach Aiep, C.L.A.P.S.

Con il supporto di Orbita | Spellbound - Centro Di Produzione Nazionale della Danza

Fabritia D’Intino
Fabritia D’Intino (Foligno, 1986) si laurea presso L'Accademia Nazionale di Danza (Roma) e presso ArtEZ (Arnhem, Olanda). Dal 2013 al 2019 cura e coordina in Spagna il Barcelona International Dance Exchange - BIDE. I suoi lavori coreografici, spesso in collaborazione con altrə artistə, vengono premiati e presentati in diversi contesti internazionali. Oltre alla creazione di performance per la scena, sviluppa la sua ricerca in contesti site specific e attraverso progetti relazionali, partecipativi e installativi. Dal 2018 fa parte di Catsandsnails (Francia) e Chiasma (Roma).

In occasione della presentazione della performance Special Handling di Elisabetta Consonni presso il Teatro Palladium, Maria Paola Zedda, curatrice di progetti artistici e performativi e studiosa racconterà al pubblico di Interazioni i punti salienti del progetto Le alleanze dei corpi, attivo nel territorio milanese da diversi anni, intrecciando un dialogo con Elisabetta Consonni, una delle artiste che hanno accompagnato la manifestazione dal suo inizio. Attraverso il racconto delle pratiche relazionali, artistiche, performative ed etnografiche che hanno animato negli anni il progetto, Zedda proporrà una riflessione sulla cura come pratica artistica e sulla creazione di contesti di self care e communitty care ripensando la cura come bene comune e come atto collettivo di trasformazione della sfera pubblica, come strategia di decolonizzazione dei corpi e dei codici estetici, nonché come relazione tra corpo, vulnerabilità e precarietà.

Maria Paola Zedda
Curatrice ed esperta di performance, danza e arti visive, rivolge la sua ricerca ai linguaggi di confine tra arte contemporanea, danza, performance e cinema. Ha lavorato come assistente e organizzatrice per oltre un decennio, e attualmente come dramaturg, nelle produzioni della Compagnia Enzo Cosimi. Come performer indipendente ha ottenuto importanti riconoscimenti quali la Menzione Speciale del Premio Equilibrio nel 2009. Dal 2011 dirige festival e manifestazioni legati ai linguaggi del contemporaneo (Across Asia Film Festival, CampoSud, NAO Performing Festival) collaborando con prestigiose istituzioni nazionali e internazionali quali MAXXI – Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, Triennale di Milano, Istituto Svizzero, Musei Civici di Cagliari, Hanoi Doclab – Goethe Institut. Nel 2015 è direttrice artistica di Cagliari Capitale Italiana della Cultura 2015. Nel 2018 cura presso la Triennale di Milano e Palazzo Litta la mostra MAPPE – Sguardi sui confini per il Segretariato Regionale MiBACT Lombardia.

Elisabetta Consonni
Coreografa tutto, essere umani e disumani, oggetti mobili e immobili, mappe, interstizi e gruppi vacanze spaziali. Tesse reti di relazioni, sottili e forti, come il vetro di zucchero. Elisabetta Consonni mira ad espandere la pratica della coreografia cercando dispositivi performativi per incorporare dinamiche e temi del sociale, con particolare attenzione all'uso e al significato sociale dello spazio pubblico e alla declinazione delle competenze coreografiche nelle pratiche comunitarie.

dov'è più profondo è uno spettacolo fatto di corporeità, suono e immagini, in cui convivono narrazioni sovrapposte, canti spogliati da una provenienza unica e pensieri sulle identità e le tradizioni svincolati dall'ideale di purezza, per lasciare spazio all'imperfezione e alla mescolanza. La creazione coreografica convoca a sé la potenza del canto, come luogo di una possibile condivisione sensibile tra esseri umani, per analizzare e celebrare aspetti semplici e importanti del vivere-insieme.

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Progetto, coreografia e performance Irene Russolillo
Creazione sonora e performance Edoardo Sansonne / Kawabate
Assistenza drammaturgica e cura Irene Pipicelli
Disegno luci e direzione tecnica Valeria Foti
Costumi Vanessa Mantellassi

Fonti sonore Archivio Sonoro Cantar Storie di Domodossola a cura di Luca e Loris Bonavia
Fonti visive Walser Cultura e Archivio del BREL - Bureau Régional Ethnologie et Linguistique della Regione Valle d'Aosta

Il progetto è realizzato da Irene Russolillo con l'Associazione Culturale VAN nell'ambito del Premio CROSS Award 2019 di Verbania col sostegno in residenza di Teatro della Cittadella di Aosta, NCA Small Theatre di Yerevan, Teatro M. Spina di Castiglion Fiorentino / Kilowatt, Compagnia Virgilio Sieni e Fondazione CR Firenze / Bando Abitante 2021 e il sostegno di ATCL - Associazione Teatrale fra i Comuni del Lazio con la collaborazione di Carrozzerie n.o.t di Roma e PARC - Performing Arts Research Center di Firenze col supporto di Ministero della Cultura e Regione Emilia Romagna

Con il supporto ATCL – Associazione Teatrale fra i Comuni del Lazio

Irene Russolillo
Come danzatrice ha preso parte a spettacoli di Micha Van Hoecke, Roberto Castello, Abbondanza|Bertoni, Lisi Estaras e molti altri. Come coreografa ha ricevuto il sostegno da ALDES, dal Network Anticorpi XL, dei network internazionali Crossing the sea e Crisol, dal Festival Oriente Occidente di cui è stata artista associata. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti come il Premio Equilibrio e il Premio Masdanza come migliore performer, il Premio Prospettiva Danza, il Cross Award. Fa parte dell'Associazione culturale VAN.

Diana Anselmo e Flavia Dalila D'Amico dell'associazione Al.DI.QUA Artists si confrontano sulle linee di tensione che attraversano corpi e spazi - scenici, culturali, sociali, estetici. Verranno ripercorsi tratti del volume Lost in Translation. Le disabilità in scena (Bulzoni) di Flavia Dalila D'Amico: «Penso che la danza sia un mezzo per approfondire la conoscenza del proprio corpo. Nel mio caso ha anche cambiato la mia relazione con il mio corpo, verso una maggiore attenzione alle sue capacità piuttosto che ai suoi “limiti”. Si spera che lavorare in ambienti che ti investono del potere di vedere il tuo corpo in maniera positiva possa contribuire a renderti più sicuro, a riconoscere il tuo valore e il potenziale del tuo corpo» (Claire Cunnigham) artista intervistata dall'autrice.
È a partire da questa riflessione impressa sulla carta scritta che il dialogo prende forma dal vivo.

Con il supporto di British Council

Flavia Dalila D'Amico
Flavia Dalila D'Amico è una studiosa e curatrice nel campo delle arti performative. I suoi interessi di ricerca si rivolgono alle intersezioni tra corpi, soggettività politiche e tecnologie nell'ambito delle arti performative. Autrice del volume Lost in Translation. Le disabilità in scena (Bulzoni Editore). Fa parte dell'associazione Al. Di. Qua. Artists e cura la comunicazione del Teatro Biblioteca Quarticciolo di Roma e di Fuori Programma Festival Internazionale di Danza.

Diana Anselmo
Diana Anselmo, classe ’97, è performer, attivista ed essere umano improvvisato. Attualmente studente magistrale in Teatro e Arti performative allo IUAV di Venezia, durante la triennale in Sociologia inizia a conoscere il mondo delle arti performative lavorando al loro interno – e non ne vorrà uscire più. Attivista sui temi del transqueerfemminismo intersezionale, presidente di Al.Di.Qua. Artists e, nel tempo libero, membro più giovane del Cultural Advisory Board del British Council.

Al.Di.Qua. Artists
Al.Di.Qua. Artists (Alternative Disability Quality Artists) è la prima associazione italiana di categoria di lavoratrici e lavoratori dello spettacolo portatrici di corpi disabilitati. Nato nel 2020, dopo che artistə di diverse discipline e disabilità si sono riunitə per ragionare e proporre istanze in merito all'accessibilità del mondo nel lavoro artistico.

Autoritratto in tre atti, esattamente come l’artista che lo agita e abita, e si fa beffa dei confini del genere e da videoperformance di 7min esonda in lecture-performance più ampia.Il tema centrale è lo sguardo, declinandolo però sotto tre diversi punti di vista; quasi fossero tre differenti modi di guardare ad un guardare:
Si inizia dallo sguardo proprio, come percepito dalla mia singolare scatola cranica. Cosa vuol dire abitare un corpo con disabilità?
Si giunge poi a quello subìto, mettendo in campo il tema dell’intrusività degli sguardi altrui sui nostri corpi; sguardi che rendono la persona con disabilità oggetto di un qual certo morboso piacere voyeuristico, e che sta a noi imparare a gestire. Del resto, ogni sistema di potere affermerà sempre che la responsabilità ricade sulle spalle della categoria marginalizzata (che un po’ se la va a cercare). Se imparassimo a stare in casa non succederebbe niente. Si aprono ora le porte ad una discriminazione apparentemente ignota e misteriosa, ma in realtà “nascosta in piena vista”: l’abilisimo.
Tra cenni sociologici ed esperienze autobiografiche si approda infine ad un ultimo tipo di sguardo, tanto poetico quanto politico: quello riappropriato.È lo sguardo cercato, voluto e autodeterminato, sulla e della propria corporeità. Sguardo non più singolare, ma collettivo. Uno sguardo plurale e sovra-individuale, dipinto e restituito dal videomanifesto di Al.Di.Qua., prima associazione europea di advocacy composta da artisti e artiste con disabilità, per artisti e artiste lavoratori e lavoratrici del settore spettacolo con disabilità.Uno sguardo che, rovesciando l'oggetto in un soggetto, può finalmente esondare gli argini delle definizioni maggioritarie finora conferite a corpi disabilitati.

videoperformance di e con Diana Anselmo
voci di Al.Di.Qua. Artists
videomanifesto alla regia di Claudio Gaetani con Al.Di.Qua. Artists

Diana Anselmo
Diana Anselmo è artista, attivista ed essere umano improvvisato.Studente magistrale in Teatro e Arti Performative allo IUAV, durante la triennale in Sociologia inizia a conoscere il mondo delle arti performative e dei Festival lavorando al loro interno… e non ne vorrà uscire più.Attivista sul tema dell’anti-abilismo, co-founder di Al.Di.Qua. Artists, prima associazione in europa di e per artist* con disabilità; fra le varie cose, membro più giovane del Cultural Advisory Board del British Council.

Il giovane venditore ambulante Soe Ko vive in un piccolo villaggio sul fiume Irrawaddy in Myanmar. È innamorato di Saing Ko, un tranquillo muratore di un altro villaggio, e sogna un matrimonio con tutti i crismi: bei vestiti, gioielli e trucco. Ma il Myanmar è governato da un regime militare e il matrimonio tra due uomini è severamente vietato. L'omosessualità non è accettata e molti omosessuali soffrono di stigmatizzazione e discriminazione. In questa piccola comunità in particolare, tuttavia, c'è un eccezionale, piccolo circolo che accoglie gli omosessuali. Tra loro ci sono un attivista per i diritti umani, un insegnante, uno sciamano e un'estetista. Decidono di far diventare realtà il matrimonio tra i due giovani amanti. Il film li segue e li osserva da vicino durante i preparativi per il matrimonio organizzato in segreto. Il matrimonio si conclude con una celebrazione esuberante che dimostra che l'amore rifiuta di essere oppresso.

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Direzione: Valeria Testagrossa, Nicola Grignani, Andrea Zambelli
Fotografia: Valeria Testagrossa, Andrea Zambelli
Produzione: Alkermes
Editing: Luca Gasparini
Musica: Giulio Ciccia, Marco Offredi
Starring: yo Nyunt, Soe Ko, Htet Htet, Saing Ko, Thet Htar Phyu

Valeria Testagrossa
Valeria Testagrossa: è scrittrice, regista e direttrice della fotografia. Ha diretto diversi film documentari che sono stati proiettati in festival come Visions Du Reel, Idfa, Torino Film Festival, CPH:DOX, Docs DF, Mar Del Plata. Con il suo cinema esplora la connessione tra piccole storie intime e contesto sociale e politico. Ha studiato Arti Visive all'Università di Bologna, Giornalismo Multimediale e Filmmaking Documentario alla Westminster University, Cinematografia alla Shot Academy di Roma. In passato ha lavorato come fotografa e giornalista, dal 2012 si dedica completamente al cinema. Valeria Testagrossa vive a Roma e ora sta scrivendo e sviluppando il suo lungometraggio DOR.

A cavallo fra una durational performance e un'installazione, [parentesi] dichiara immediatamente una natura snodata dalla scrittura fissa e persuasa dal rapporto con lo spazio specifico in cui è esperita. A partire da questa condizione, [parentesi] si serve della fotografia e della performance per raccontare un processo che metta in relazione le condizioni di sfrenatezza e riposo. La successione elaborata dai due autori, Daria Greco e Jacopo Ruben Dell'Abate, sottolinea il carattere irreprensibile dell’eccitazione e la permeabilità della tregua, incoraggiandone una lettura formale e, insieme, emozionale. La scelta del bianco e nero e il suo impiego confondono l’impronta e svelano le intenzioni, arrivano come echi e si piazzano come macigni, suggeriscono chimere e inoculano realismo. Tra toni lattescenti e forme mozzate, l’azione performativa si presenta al pubblico in site specific, dichiarando la sua anima corruttibile, in cui la natura del segno non è esattamente attribuibile né solo al gesto della danzatrice, né solo allo sguardo del fotografo.

Ideazione: Jacopo Ruben Dell’Abate e Daria Greco
Performance: Jacopo Ruben Dell’Abate e Daria Greco
Suono: Jacopo Ruben Dell’Abate

Con il supporto di Orbita | Spellbound - Centro Di Produzione Nazionale della Danza

Jacopo Ruben Dell'Abate
Jacopo Ruben Dell'Abate Diplomatosi presso il SAE Institute di Milano, Jacopo Ruben Dell'Abate è un fonico, sound designer e musicista. È stato fonico di sala per diversi artisti della scena musicale italiana come Gazzelle, Fedez, Giovanni Truppi, Lucio Leoni. Per il teatro è stato fonico di sala / programmer assistant per Hubert Westkemper in Una cosa Enorme di Fabiana Iacozzilli - produzione Cranpi; LA CLASSE di Fabiana Iacozzilli - produzione Cranpi; sound designer per Prospettiva 19 di e con Lucio Leoni. Nel 2020, impossibilitato a svolgere il suo lavoro ordinario a causa dell’ancora attuale pandemia di Covid-19, ha riscoperto una vecchia passione per la fotografia specializzandosi principalmente nel genere street e studiando tecniche e software di post-produzione fotografica per la gestione correttiva e creativa del bianco e nero. L’attrazione per questa forma espressiva non è del tutto casuale, a partire da suo nonno paterno che lavorò come fotoreporter per varie testate nella Milano ruggente degli anni di piombo e delle contestazioni studentesche, passando per padre e zio che approcciarono con simile passione a questo mezzo, lo scatto di una reflex è sempre stato percepito come un gesto familiare ai suoi occhi già dalla primissima infanzia.

Daria Greco
Daria Greco è una danzatrice e autrice che basa la sua ricerca coreografica sul rapporto fra meccanica del corpo e immaginazione, e si serve di pratiche dell’antiabitudine per rintracciare sprazzi di realtà. Artista associata del gruppo Chiasma (MIC) di Salvo Lombardo, lavora, inoltre, con Carsten Saeger, Alice Gosti/Malacarne, Fabritia D’Intino, Clementine Vanlerberghe, Riccardo Guratti, DOM. Determinanti per le sue scelte artistiche, gli incontri con Marta Ciappina e Arkadi Zaides. Dal 2007 al 2009 è stata ballerina e presentatrice nel programma televisivo Music Gate (RaiGulp/Rai 1). Tra i suoi progetti autoriali Noyau (2017), TAGADA’ (2021, collaborazione con F. D'Intino) e Crangon Crangon (progetto vincitore di Odiolestate 2021_,Carrozzerie | n.o.t; Fuoriprogramma Festival/Teatro Biblioteca Quarticciolo; Citofonare Pimoff; PERIFERIE ARTISTICHE – Centro di Residenza Multidisciplinare del Lazio// Twain; ATCL – Circuito Multidisciplinare del Lazio). Dal 2020 è cofondatrice di Ostudio, progetto di coabitazione artistica nel quartiere di Roma Torpignattara, dal 2018 di SiR_sharing in Roma, spazio di messa in rete e di condivisione di pratiche di ricerca rivolto ai performer nella capitale e dal 2017 collabora attivamente con Scup_Sport e Cultura Popolare, realtà romana autogestita.

“Nel 2020 - per motivi di sostenibilità ambientale - io e i miei collaboratori abbiamo smesso di prendere l’aereo. Invece che viaggiare, ho iniziato a contemplare nuove pratiche coreografiche […] con cast e assistenti tutti scelti a livello locale. Desideravo continuare su questa strada e iniziare a scrivere partiture di danza per solisti che fossero di per sé eloquenti, in modo da non dover incontrare direttamente gli interpreti. […] Su invito del CSS, ho realizzato un esperimento coreografico con e per la danzatrice Laura Pante” (Jérôme Bel)

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testo e concept: Jérôme Bel
di e con Laura Pante
assistente Chiara Gallerani
consulenza artistica e direzione esecutiva Rebecca Lasselin
con estratti da coreografie di Cristina Rizzo, Xavier LeRoy e Scarlet Yu, Silvia Costa (suono di Lorenzo Tomio)
musiche originali Guglielmo Bottin, Beatrice Goldoni
foto di copertina Dido Fontana
foto di scena Daniele Fona
produzione CSS Teatro stabile di innovazione del FVG
in collaborazione con Institut français Italia e Fondazione Nuovi Mecenati

Jérôme Bel
Jérôme Bel è un coreografo francese e uno dei protagonisti indiscussi della scena internazionale contemporanea. Con le sue prime creazioni (name given by the author, Jérôme Bel, Shirtology...), Jérôme Bel ha iniziato ad applicare principi strutturali alla danza per mettere in primo piano gli elementi primari dello spettacolo teatrale. Il suo interesse si è poi spostato sulla questione del performer come individuo unico e particolare. La serie di ritratti di danzatori (Véronique Doisneau, Cédric Andrieux, Isadora Duncan...) affronta così la danza attraverso la narrazione di chi la pratica. Si è anche spesso interrogato su ciò che il teatro può essere in senso politico (The show must go on, Disabled Theater, Gala…). Nell’offrire il palcoscenico a performer non tradizionali (dilettanti, persone con handicap fisici e mentali, bambini...) ha mostrato una chiara preferenza per la comunità delle differenze, dove il desiderio di danzare prevale sulla coreografia fine a sé stessa, in un processo di emancipazione attraverso l’arte.

Laura Pante
Laura Pante è danzatrice e ricercatrice di teorie e pratiche del teatro. Laureata in Arti Visive presso l’Università IUAV di Venezia, da ottobre 2020 è dottoranda nello stesso ateneo. Nel 2019 conclude un periodo di ricerca artistica presso APASS (Advanced Performance and Scenographic Studies) a Bruxelles. Il suo studio si concentra sull’analisi delle relazioni politiche tra pensiero e movimento proprie delle tecniche corporee utilizzate da coreograf* contemporane*. La sua ricerca artistica si attualizza attraverso dispositivi coreografici, progetti performativi, curatoriali, pedagogici e di scrittura in cui sono i saperi del corpo a stimolare nuovi discorsi teorici e a incentivare lo sviluppo di pratiche transdisciplinari. In questi anni è in scena come danzatrice per Jerome Bel, Romeo Castellucci, Cindy Van Acker, Silvia Costa, Compagnia Abbondanza Bertoni, e come performer per le artiste visive Anna Franceschini e Alexis Blake; dal 2012 lavora per il fotografo Dido Fontana. Studia con Cristina Kristal Rizzo, Meg Stuart, Gisèle Vienne, Xavier LeRoy, Yasmine Hugonnet, Raffaella Giordano, Leonardo DeLogu. Nel 2016 ha completato la formazione in Danza Sensibile, tecnica somatico/osteopatica sviluppata da Claude Coldy, attualmente studia Hatha Yoga presso la scuola “I vasi comunicanti" condotta da Francesca Proia.

www.cssudine.it/produzioni/1292/laura-pante

I body-beats campionati dal vivo tramite la loop-station, sono un ponte ideale tra le influenze urbane della musica elettronica, la musica afro-americana e sub-sahariana a cui si ispira e una dimensione arcaica, insieme mediterranea e gotica che attraversa tutto il sound. Su questo impianto percussivo possente, la voce - strumento maestro di BEERCOCK - è lasciata libera di esprimersi dinamicamente e timbricamente, di penetrare l’ascolto e dominarlo con densità e forza emotiva fino ai limiti del gospel. L’ancestrale, il rituale, l'estasi e il canto individuale e corale: la potente performance musicale fra corporeo e elettronica di BEERCOCK (cantante, musicista, poeta e attore di teatro anglo-italiano) è un rito umano da condividere con la società, in questo periodo storico attraversato da un terremoto che ha portato a ripensare alle dinamiche più profonde tra individui e collettività, tra prossimità e distanza, tra fisico e digitale. “Human Rites” è il suo secondo disco, ritenuto dalla critica uno degli album più d’impatto del 2020 (tra i migliori dell’anno, per Rumore).

​Voce, corpo, rito: BEERCOCK​

linktr.ee/BEERCOCK

Interazioni Festival si concluderà a Ostudio con l’apertura di uno spazio relazionale, pensato come momento di rilancio e di Ri-creazione delle traiettorie future del Festival tramite una discussione tra artistə e pubblico, immaginando di formulare insieme le prime domande possibili che guideranno la prossima edizione 2023. Il tutto avverrà nella cornice di uno spazio di discussione informale e conviviale che si trasformerà, infine, in una Ricreazione festosa.